Brazilian music 1: Choro

Let us first establish a basic musicological principle: the best music in the world is made by combining Iberian and West African. I have almost irresponsibly catholic taste in music (or maybe a damaged critical faculty); I like almost everything, and wouldn’t give up any of it, but Nuyorica, and then Miami right down the east side of the Americas to about Porto Alegre is where heaven is. It’s the greatest refutation of the bizarre idea that purity is correlated with excellence since Bach studied Vivaldi, or when Marie de Medici brought Italian cooking to Paris, or when African peanut butter was first put on bread with European jam.

As my friends know, I am particularly besotted by the music of Brazil.  Want to try some? Already know about Tom Jobim and want to know where he came from and who carried on after? I’m starting a series along the lines of Keith’s movie reviews, with some of my favorites that are less widely known outside Brazil but deserve a wider audience, along with a little background. I’ll put in some links, but obviously you can browse Spotify with the names, do the usual Google due diligence, and explore for yourself.

Today, choro. The basic tools are a Spanish acoustic guitar, called a violão, sometimes with a seventh string (violão a 7 cordas); a four-string cavaquinho, the Brazilian member of the ukulele family that the Portuguese sprinkled here and there around the world;  a mandolin (bandolim sometimes with a fifth course); and a truly awesome, varying collection of percussion instruments called a bateria.  This includes practically anything that makes a sound if you hit it, from the surdo bass drum to something you thought was a grade-school toy (pandeiro), or if you rub (cuica) or shake it. Here’s the standard kit cooking at the Clube de Choro.

Choro is analogous to klezmer and jazz manouche: music for family and neighborhood parties, danceable and lively though sometimes lyrical, played on portable instruments, and virtuosic. It goes back early in the 20th century but is still a lively form.  Choro groups often add to the basic ensemble (variously) a flute, clarinet, trombone, or accordion.  If you stop in, for example, at the Bar do Cidão in São Paulo around 11 PM, a bunch of musicians will be jamming in unpredictable assortments.  It is usually instrumental though some choros have lyrics.  The great choro composer is probably Pixinguinha. , and Carinhoso is not only his most famous work, but probably the most famous song in Brazil. This cut is from a wonderful documentary about Paulinho da Viola, called Meu tempo é hoje, (about which more to come); in the movie, da Viola says that if you go into any bar or botequim or joint anywhere in Brazil and start singing it, everyone will know it and join in.

If there has to be an performing hero of the genre it’s Jacob do Bandolim, also an important composer (a lot of Brazilian musicians are named after the instruments they play). Sadly, there is no video of Jacob playing but he has a big discography. His tradition continues with lots of Brazilian masters, like Deo Rian, and Oakland’s own Mike Marshall.  One of my favorite choro events is the classical flautist Paula Robison’s falling-in with a bunch of Brazilian musicians in New York, which generated this wonderful CD. and then this one.   It’s unusual for classical musicians to be able to swing this way.

OK, you’re on your own for the week: fire up Spotify and Youtube, and check out Os Ingenuos, Época de Ouro, some of the names above, and follow branches.  Gostem estes tesouros, and comments are definitely open to share your own favorites.



Author: Michael O'Hare

Professor of Public Policy at the Goldman School of Public Policy, University of California, Berkeley, Michael O'Hare was raised in New York City and trained at Harvard as an architect and structural engineer. Diverted from an honest career designing buildings by the offer of a job in which he could think about anything he wanted to and spend his time with very smart and curious young people, he fell among economists and such like, and continues to benefit from their generosity with on-the-job social science training. He has followed the process and principles of design into "nonphysical environments" such as production processes in organizations, regulation, and information management and published a variety of research in environmental policy, government policy towards the arts, and management, with special interests in energy, facility siting, information and perceptions in public choice and work environments, and policy design. His current research is focused on transportation biofuels and their effects on global land use, food security, and international trade; regulatory policy in the face of scientific uncertainty; and, after a three-decade hiatus, on NIMBY conflicts afflicting high speed rail right-of-way and nuclear waste disposal sites. He is also a regular writer on pedagogy, especially teaching in professional education, and co-edited the "Curriculum and Case Notes" section of the Journal of Policy Analysis and Management. Between faculty appointments at the MIT Department of Urban Studies and Planning and the John F. Kennedy School of Government at Harvard, he was director of policy analysis at the Massachusetts Executive Office of Environmental Affairs. He has had visiting appointments at Università Bocconi in Milan and the National University of Singapore and teaches regularly in the Goldman School's executive (mid-career) programs. At GSPP, O'Hare has taught a studio course in Program and Policy Design, Arts and Cultural Policy, Public Management, the pedagogy course for graduate student instructors, Quantitative Methods, Environmental Policy, and the introduction to public policy for its undergraduate minor, which he supervises. Generally, he considers himself the school's resident expert in any subject in which there is no such thing as real expertise (a recent project concerned the governance and design of California county fairs), but is secure in the distinction of being the only faculty member with a metal lathe in his basement and a 4×5 Ebony view camera. At the moment, he would rather be making something with his hands than writing this blurb.

17 thoughts on “Brazilian music 1: Choro”

  1. Heh, I misread the headline at first glance, thought it said ‘Charo’. Now there’s a blast from the past!

  2. Choro peaked in the 30s and 40s, and Americans of a certain age will know at least one choro song — “Tico Tico no Fuba” (shortened to “Tico Tico” for non-Brasilians)– and its singer, Carmen Miranda. There is a delightful version – four hands, one guitar — in this video. If you have a spare two minutes and thirty-six seconds, watch it.

  3. On a related note, yesterday I was listening to Nova Brasil FM and heard a gorgeous rendition of R.E.M.’s “Find The River” sung in Portuguese by a woman. I have had no luck asking Mister Google about it. Would you happen to know?

    1. no clue. I looked around the nova fm website but can’t find a historical playlist. If you know the time and date you heard it and email them, they can probably tell you what you heard.

  4. ¨It’s the greatest refutation of the bizarre idea that purity is correlated with excellence …¨
    I dont disagree, but smell straw. What musician of note since Wagner has so argued? (See for instance Hans Sachs´ closing speech in Die Meistersinger.) Who of note in any field since the late Dr. Rosenberg has so argued?

    1. Goodness, James, there’s a lot of it around, and not just from Boko Haram, and not just in music (but what did his fans say when Bob Dylan picked up an electric guitar?). Hans’ little reprimand of Walter is more complicated, granted that it reeks of Wagner’s franco- and judeophobia (Meyerbeer!), because the former has just spent the whole opera orchestrating a way to get his pals to open their ears and learn something new coming in from outside (Walther is German, but he’s a knight fallen from the sky into a bunch of shopkeepers). The message of that opera, which I use as a teaching case in two different courses, is that innovation and convention are complements. Coaching Walter in Act III Sachs says
      Ihr schlosset nicht im gleichen Ton:
      das macht den Meistern Pein;
      doch nimmt Hans Sachs die Lehr’ davon,
      and later
      Nur mit der Melodei
      seid ihr ein wenig frei;
      doch sag’ ich nicht, dass das ein Fehler sei;
      nur ist’s nicht leicht zu behalten,
      und das ärgert uns’re Alten.

      1. The Methodists´ epigram ¨Why should the devil have all the best tunes?¨ could have been crafted for Wagner.

        1. In an otherwise unrelated discussion during prep for an OWL class we’re teaching today, our director of religious education mentioned that her kids came home from a supposedly secular science camp singing a lot of Jesus songs (no, kid, Jesus didn’t create* you, even according to the Bible). I commiserated with her, as my daughter does the same thing after the weekends when she goes to either the little Baptist church where her memaw is the secretary or the megachurch where her aunt worked for a long time. The worst part of it, as I said, is “They’ve got better songs than we do.” That’s even counting having Lean On Me in our newest hymnal.

          *although I’m willing to fudge the point when it brings about a song as wonderful as Mike Cooley’s Cartoon Gold, with the lines “Yvxr oevatvat sybjref gb lbhe znzn naq genpxvat qbtfuvg nyy bire gur sybbe/Wrfhf znqr gur sybjref ohg vg gbbx n qbt gb znxr gur fgbel tbbq” (ROT-13‘d for those who like surprise.

      2. Sorry, readers:
        You didn’t end in the same key:
        That pains the masters;
        But Hans Sachs will take a lesson from it.

        With the melody
        you are a little free;
        I’m not saying it’s a mistake:
        only that it’s not easy to learn
        and it nettles our old folks.

  5. O choro, como os estrangeiros chamam, é carinhosamente chamado de chorinho pelos brasileiros. Mestre Pixinguinha não é o maior compositor de choro, ele é o criador desse maravilhoso ritmo tipicamente brasileiro e o maior compositor de chorinho.
    Muito bom texto, parabéns Michael!

    P.S. “Desfrutem desses tesouros” é mais correto do que “Gostem estes tesouros”

    (MO 22/IX Choro, usually called that by foreigners, is affectionately called chorinho by Brazilians. Master Pixinguinha isn’t the greatest composer of choro, he is is the creator of the marvelous typical Brazilian rhythm and the greataest composer of chorinho. [Note: Portuguese loves diminutives, but lacks Italian’s variety thereof. …inho/inha is the most commonly used]. Nice piece, congratulations Michael! [corrects my Portuguese for ‘enjoy these treasures’])

    1. Obrigado, Chameli. Onde mora o senhor? Bemvindo no RBC; creio que temos poucos leitores no Brasil.
      Diga-nos o segundo compositor de chorinhos seja quem? E seus obras-primas?

  6. Olá Michael, eu moro em Málaga bem perto do James, mas sou nascida na Cidade do Rio de Janeiro.
    Não vou te dizer qual foi o segundo compositor de chorinhos, vou apresentá-los a você, junto com a história do Choro contada por brasileiros:


    No início, o Choro era apenas difundido entre grupos de instrumentistas que aos sábados e domingos se reuniam na casa de um deles para fazer música. Foi a partir de 1880 que se popularizou nos salões de dança e no subúrbio carioca.

    O Choro surgiu no Rio de Janeiro em 1870, originando da fusão de ritmos europeus com ritmos afro-brasileiros. Eles utilizavam, entre outros instrumentos, violão, flauta, cavaquinho, que dão à música um aspecto sentimental, melancólico e “choroso”. O nome deste estilo musical pode ter sido derivado da palavra xolo, que era um tipo de baile que os escravos faziam no período colonial, ou talvez, pela maneira chorosa que os músicos amaciavam certos ritmos de sua época. No início, era apenas um grupo de instrumentistas que aos sábados e domingos se reuniam na casa de um deles para fazer música. Foi a partir de 1880 que o choro popularizou-se nos salões de dança e no subúrbio carioca. Ernesto Nazareth e Chiquinha Gonzaga foram os primeiros compositores que deram características próprias firmando-o como gênero musical.

    No início do século XX começou a ser cantado, deixando de ser apenas instrumental. Aproxima-se do maxixe e do samba e adquiriu um rítmo mais rápido, agitado e alegre. Nesta mesma época surge o chorinho ou samba-choro, também conhecido como terno, por causa da delicadeza e sutileza de sua melodia.

    Na década de 30, com o apoio do rádio e com investimento das gravadoras de disco, tornou-se sucesso nacional. Uma nova geração de chorões organizaram-se em conjuntos chamados regionais e introduziram a percussão nas composições. Alfredo da Rocha Vianna Filho, Pixinguinha, foi o principal nome do período, autor de mais de uma centena de choros e um dos maiores compositores da música popular brasileira. . Sua importância foi tamanha que o Dia Nacional do Choro foi estabelecido em 23 de abril, data de seu aniversário. Tal homenagem foi proposta pelo senador Artur da Távola e aprovada pelo Presidente da República em 4 de setembro de 2000.

    O Choro destaca-se pela capacidade de improvisar, de um instrumento dialogar com outro ou mesmo desafiar o outro.

    Na década de 50, o estilo musical perdeu seu espaço devido ao surgimento da Bossa Nova, mas manteve-se presente na produção de vários músicos da MPB. Foi redescoberto na década de 70, quando criaram os Clubes do Choro, que revelam novos conjuntos de todo o país e os festivais nacionais.

    Atualmente o Choro ainda é prestigiado por muitos, é fortalecido por grupos que se dedicam à sua modernização e divulgação de novos artistas.


    Além do PIXINGUINHA, vários outros compositores se destacam dentro do Choro, dentre eles: Jacob do Bandolim, Ernesto Nazareth, Chiquinha Gonzaga, Waldir Azevedo Paulinho da Viola, Zequinha de Abreu e Ademilde Fonseca.

    Considerado como um dos mais importantes compositores paulistas, Adoniran Barbosa, homem de limitada formação intelectual e de dificuldades financeiras em sua vida, conseguia como ninguém extrair da simplicidade dos fatos um emaranhado de significados que cativaram as pessoas da época. Antes de trabalhar como compositor, foi radioator e em seus programas no rádio interpretava diversos personagens. Em seus 40 anos de carreira gravou 03 Lp´s.

    Francisca Edwiges Neves Gonzaga nasceu em 1847 e faleceu em 1935 na cidade do Rio de Janeiro. Cresceu em um bom ambiente tendo uma boa educação e uma sólida formação musical. Tornou-se a primeira mulher compositora brasileira e também a primeira pianista do choro. Ainda com destaque, consagrou-se a primeira mulher a dirigir uma orquestra, portanto a primeira maestrina brasileira. Em 1889, compôs uma marchinha de carnaval que até hoje é cantada pelos foliões em todo o país: Abre Alas. Chiquinha Gonzaga superou barreiras e quebrou tabus se tornando uma grande contribuidora para a formação do raciocinio musical brasileiro. Pioneira, se encheu de coragem para viver aquilo que gostava, mesmo que para tanto tivesse que superar enormes preconceitos.

    Nasceu no Rio de Janeiro e aprendeu a tocar piano com sua própria mãe. Se tornou um grande compositor de tangos brasileiros e deu seguimento aos rumos do choro no Brasil. Divulgava sua música vendendo partituras de suas músicas, indo tocá-las diretamente para o cliente. Músico de formação erudita, Nazareth trabalhou e criou fama como pianista da sala de espera do cinema Odeon, para o qual chegou até a compor uma belíssima música, que foi considerada uma de suas peças mais célebres e posteriormente, foi transcrita popularmente para o violão. Já no final de sua vida, foi atacado pela surdez. Nazareth foi um músico que soube trabalhar tanto no estilo erudito quanto no popular dando um toque, particularmente pessoal.

    José Gomes de Abreu nasceu em 1880, na cidade de Santa Rita do Passa Quatro, SP e faleceu em 1935, na capital paulista, com 54 anos de idade. Desde garoto já mostrava gosto pela música e apesar dos desejos dos pais de seguir outros rumos em sua vida, decidiu mesmo ser músico. Ainda muito ovem, com 17 anos, deu iníco a diversas atividades musicais que variavam desde saraus, a bailes, aniversários, casamentos. Sua música mais conhecida foi “Tico Tico no fubá”. Quando sua música emplacou, assinou contrato com uma gravadora se comprometendo a compor uma nova música a cada mês, passando a ser talvez, o único compositor de sua época a trabalhar dessa forma. Durante sua vida deu aulas de piano, sobretudo para jovens de família e aproveitava seu tempo livre para vender partituras de suas músicas nas casas que frequentava.

    Desde muito cedo, passou a tomar gosto pela música e logo foi trocando a flauta por um violão, mais tarde, o bandolin, a viola americana de quatro cordas, o banjo e enfim, o cavaquinho. Foi quando começou a improvisar algumas notas no cavaquinho, que possuia somente a corda ré, que nasceram os primeiros acordes de um dos chorinhos mais famosos de todos os tempos: brasileirinho. Gravou em 1949, seu primeiro disco em 78 rpm, formado por dois choros. De um lado “Carlotinha” e do outro “Brasileirinho”. Brasileirinho até hoje ainda é tocado e lembrado pelas novas gerações.

    Principal referência brasileira no instrumento que virou parte de seu nome. Foi ele quem colocou o bandolin como instrumento solista por excelência. Foi um compositor que não dependeu exclusivamente da música e por conta disso, foi mais livre em suas composições e não sofreu com pressões de gravadoras. Com uma expressiva popularidade, Jacob, ajudou a divulgar o choro tradicional por meio de shows e Lp´s .

    Natural do Rio Grande do Norte, foi para o Rio de Janeiroem 1941, acompanhada do também marido músico. Obteve sucesso como uma grande intérprete de músicas como “tico tico no fubá” e outro clássico “brasileirinho”. Sua fama como cantora de choros aumentou e Ademilde passou a ser procurada pelos compositores para gravar suas músicas. Participou de diversos concursos e festivais divulgando o choro em todo o lugar que cantava.

    Uma lenda viva do chorinho brasileiro levando esse gênero ao conhecimento de várias pessoas em diversos países, tendo o seu enorme talento, fatalmente reconhecido por todo o lugar em que passou. Esse gênio da flauta transversa, gravou mais de 111 discos, compôs cerca de 200 músicas dos mais variados ritmos e estilos. Excursionou pela Europa, União Soviética, onde foi aplaudido de pé e considerado pela crítica como o melhor solista flautim do mundo, instrumento muito difícil de ser tocado. Atualmente, comemora 56 anos de carreira, 75 anos de vida e 125 da criação do chorinho.

    PAULINHO DA VIOLA, Paulo César de Farias, é um dos grandes nomes da música popular brasileira de todos os tempos.. Paulinho consegue ao mesmo tempo ser um excelente instrumentista, um compositor genial e um sensível poeta.
    Paulinho da Viola é inovador e tradicional ao mesmo tempo. Seus sambas e choros trazem inovações melódicas e harmônicas, sempre desenvolvendo, modernizando e evitando que estes gêneros fiquem congelados no tempo. Paulinho numa atitude louvável, tem por costume gravar em seus discos músicas de nomes às vezes esquecidos do samba como Silas de Oliveira e Wilson Batista, assim como de novos compositores.
    Sempre tomou iniciativas para resgatar o melhor da música brasileira, desde fundar um escola de samba não competitiva a hoje em dia promover shows de Choro em uma casa noturna do Rio de Janeiro.

    MESTRE PIXINGUINHA, Antônio Marcos Ferreira Filho:
    Considerado um dos maiores gênios da música popular brasileira e mundial, Pixinguinha (23/4/1898-17/2/1973) revolucionou a maneira de se fazer música no Brasil sob vários aspectos. Como compositor, arranjador e instrumentista, sua atuação foi decisiva nos rumos que a música brasileira tomou. O apelido “Pizindim” vem da infância, era como a avó africana o chamava, querendo dizer “menino bom”.

    O pai era flautista amador, e foi pela flauta que Pixinguinha começou sua ligação mais séria com a música, depois de ter aprendido um pouco de cavaquinho. Logo começou a tocar em orquestras, choperias, peças musicais e a participar de gravações ao lado dos irmãos Henrique e Otávio (China), que tocavam violão. Rapidamente criou fama como flautista graças aos improvisos e floreados que tirava do instrumento, que causavam grande impressão no público quando aliados à sua pouca idade.

    Começou a compor os primeiro choros, polcas e valsas ainda na década de 10, formando seu próprio conjunto, o Grupo do Pixinguinha, que mais tarde se tornou o prestigiado Os Oito Batutas. Com os Batutas fez uma célebre excursão pela Europa no início dos anos 20, com o propósito de divulgar a música brasileira.Os conjuntos liderados por Pixinguinha tiveram grande importância na história da indústria fonográfica brasileira.

    A Orquestra Típica Pixinguinha-Donga, que organizou em 1928 junto com o compositor e sambista Donga, participou de várias gravações para a Parlophon, numa época em que o sistema elétrico de gravação era uma grande novidade. Liderou também os Diabos do Céu, a Guarda Velha e a Orquestra Columbia de Pixinguinha.

    Nos anos 30 e 40 gravou como flautista e saxofonista (em dueto com o flautista Benedito Lacerda) diversas peças que se tornaram a base do repertório de choro, para solista e acompanhamento. Algumas delas são “Segura Ele”, “Ainda Me Recordo”, “1 x 0”, “Proezas de Solon”, “Naquele Tempo”, “Abraçando Jacaré”, “Os Oito Batutas”, “As Proezas do Nolasco”, “Sofres Porque Queres”, gravadas mais tarde por intérpretes de vários instrumentos.

    Em 1940, indicado por Villa-Lobos, foi o responsável pela seleção dos músicos populares que participaram da célebre gravação para o maestro Leopold Stokowski, que divulgou a música brasileira nos Estados Unidos.

    Como arranjador, atividade que começou a exercer na orquestra da gravadora Victor em 1929, incorporou elementos brasileiros a um meio bastante influenciado por técnicas estrangeiras, mudando a maneira de se fazer orquestração e arranjo.

    Pixinguinha trocou de instrumento definitivamente pelo saxofone em 1946, o que, segundo alguns biógrafos, aconteceu porque teria perdido a embocadura para a flauta devido a problemas com bebida. Mesmo assim não parou de compor nem mesmo quando teve o primeiro enfarte, em 1964, que o obrigou a permanecer 20 dias no hospital. Daí surgiram músicas com títulos “de ocasião”, como “Fala Baixinho” Mais Quinze Dias”, “No Elevador”, “Mais Três Dias”, “Vou pra Casa”.

    Depois de sua morte, em 1973, uma série de homenagens em discos e shows foi produzida. A Prefeitura do Rio de Janeiro produziu também grandes eventos em 1988 e 1998, quando completaria 90 e 100 anos.

    Algumas músicas de Pixinguinha ganharam letra antes ou depois de sua morte, sendo a mais famosa “Carinhoso”, composta em 1917, gravada pela primeira vez em 1928, de forma instrumental, e cuja letra João de Barro escreveu em 1937, para gravação de Orlando Silva. Outras que ganharam letras foram “Rosa” (Otávio de Souza), “Lamento” (Vinicius de Moraes) e “Isso É Que É Viver” (Hermínio Bello de Carvalho).

  7. Michael, obrigada por seus comemtários sobre o CHORINHO.
    Aqui no Rio de Janeiro, nos bares noturnos dos bairros da Lapa, Gamboa, Centro, é um dos ritmos mais tocados, desde de sempre.
    Eu gosto muito e fico feliz que você tenha sido contaminado por ELE.
    Nos vídeos que você citou, todos os músicos ondulam seus corpos para poder executar essa explosão de alegria que é o CHORINHO. Difícil ficar parado!

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